Alaban el legado del pintor Robert Rauschenberg, pionero del "pop art"

El mundo del arte expresó hoy su pesar por la muerte del innovador pintor estadounidense Robert Rauschenbeg, una de las leyendas del "pop art", quien falleció en Tampa (Florida) el lunes a los 82 años.

Considerado una de las figuras artísticas más influyentes de la segunda mitad del siglo XX, Rauschenberg fue, sin embargo, un incomprendido hasta la llegada del "pop art", un movimiento que reconoció su obra y que le atribuyó la paternidad del nuevo estilo.

"Su obra es trascendental, es uno de los pocos artistas de los que verdaderamente se puede decir que cambiaron los patrones artísticos y ampliaron la definición de qué es y qué debe ser una obra de arte", dijo a Efe René Morales, comisario del Museo de Arte de Miami (MAM).

En ese sentido, Morales aseguró que el pintor, que según las propias palabras del artista necesitaba "disciplinarse, pues tenía mucha energía incontrolada", pulverizó las fronteras que separaban el arte de la vida.

Tras señalar que éste es un momento muy triste para todos lo que le admiraban, Morales destacó la vigencia de su obra y precisó que su influencia es palpable en las creaciones actuales de muchos jóvenes creadores, como se constató recientemente en la Bienal del Museo Whitney, la cita más importante del arte contemporáneo en Estados Unidos.

Un denominador común que emparenta a Rauschenberg con buena parte de los artistas actuales, prosiguió, es su desprecio por el culto a la personalidad y su apuesta por "los objetos de la vida diaria", en oposición a las "actitudes heroicas", alejadas de lo cotidiano.

"Rechazó la idea del artista como un héroe de la cultura" y prefirió al creador incrustado en la vida cotidiana, destacó.

Tanto Rauschenberg como Andy Warhol y Roy Lichtenstein, dos de los principales representantes del "pop art", utilizaron como fuentes de inspiración o modelo las revistas ilustradas, los carteles publicitarios, el cine y los cómics.

Sea para celebrar la sociedad de consumo o bien para criticarla, lo cierto es que los artistas pop ampliaron y enriquecieron el campo de visión del arte.

En el caso de Rauschenberg, el segundo ciclo de su obra y el más célebre se encuadra bajo las "Combine Paintings", un período en el que incorpora objetos reales a su obra y representa el interés del artista por cristalizar la idea de lo tridimensional.

"Es una pérdida muy importante. Fue un innovador en el mundo de las artes (...) y esperemos que algún día se vuelva al oficio, a la consideración de la calidad y del verdadero dominio de la técnica como él la mostró", apuntó Ramón Cernuda, propietario de la galería Cernuda Arte de Miami.

Sostuvo que Rauschenberg, quien nació en 1925 en Port Arthur (Texas), dejó "una de las obras más interesantes dentro del 'pop art', de la abstracción orgánica y de la vitalidad del color".

Es precisamente el uso del color, al parecer de Cernuda, el elemento que proyecta al maestro estadounidense por encima del "pelotón" y le sitúa en un primer plano.

"Como concibió Rauschenberg el 'por art' nos traslada al mundo de la posmodernidad en Estados Unidos; él es, sin duda, uno de los puntales de este movimiento que queda para la historia del arte", sentenció.

Entre las pinturas de Rauschenberg que el profesor de Arte de la Universidad Internacional de Florida (FIU, por si sigla en inglés) Juan Martínez califica de fundamentales figura "Bed", concebida en una época en la que el artista pasaba apuros económicos y no tenía recursos ni siquiera para adquirir un lienzo.

La solución aplicada por el artista consistió en utilizar el edredón de su cama a modo de lienzo y recurrir al uso de pasta de dientes y laca de uñas para pintar.

Otra de sus obras favoritas es la conocida como "Estate", en la que aplicó su "técnica de transferencia", que el pintor comenzó a desarrollar en 1958 y que le permitió integrar la pintura artesana con imágenes recogidas de periódicos y revistas.

"Fue una figura inmensa en el arte internacional, un pionero que se apropió de las imágenes de otros y de los medios" para concebir un pintura que, sin asignar ningún significado a priori a la obra, innova en "el concepto de composición y significado", señaló Martínez.